Lewinson Art seleccionó al artista José Miguel Alguer Romero el mes de Abril 2026, en su página Amigos a los que les gusta Lewinson Art, por la calidad y creatividad de su obra, para ser entrevistado y publicado en su galería virtual, ya que su objetivo es difundir el arte internacionalmente y ayudar a los artistas a darse a conocer.

1. ¿Cómo fue que te interesaste por el arte?

Imagino que, como les sucede a muchos artistas, mi interés por las artes plásticas nació en la infancia.

Desde muy pequeño me atraían el dibujo y el color. En el colegio pasaba horas utilizando lápices de colores, rotuladores y ceras, disfrutando de esa libertad creativa que aparece cuando uno empieza a descubrir las imágenes.

Recuerdo especialmente que, con unos siete años, le pedí a mi madre una pequeña caja de acuarelas. Aquel regalo supuso mi primer contacto con los pinceles y abrió para mí un mundo nuevo de posibilidades.

Más adelante, hacia los doce años, me regalaron mi primer maletín de óleos, un recuerdo que todavía conservo con mucho cariño. En esa misma época, junto a mi hermano, también dedicábamos muchas horas a pintar soldados de época napoleónica a escala 1/72. Utilizábamos pequeñas pinturas de modelismo, esmaltes sintéticos que limpiábamos con aguarrás y, una vez terminados, recreábamos nuestras propias batallas imaginarias.

Mirando atrás, entiendo que todas aquellas experiencias, aparentemente sencillas, fueron sembrando de forma natural mi vínculo con el arte y despertando una vocación que con el tiempo se consolidó.

2. ¿Cuál seria tu estilo?

Yo definiría mi estilo como un palimpsesto, tanto de influencias como de técnicas. Es una manera de entender la pintura como un espacio en constante transformación, donde cada capa deja huella y dialoga con las anteriores.

Trabajo principalmente dentro del arte figurativo paisajes y marinas. Hacia el año 2010 comencé a participar en concursos de pintura rápida, y allí observé cómo algunos compañeros recurrían al collage para resolver con agilidad determinadas zonas de la obra.

Aquella forma de trabajar despertó mi curiosidad y decidí llevarla al estudio, donde empecé a investigarla y desarrollarla en profundidad. Desde entonces utilizo el collage como base sobre la que aplico pátinas, raspo superficies, arrastro pintura y dibujo, construyendo así un soporte lleno de memoria y matices.

El resultado es un lenguaje plástico híbrido, en el que dentro de una misma obra puedo moverme desde el realismo hasta zonas cercanas a la abstracción, combinando estructura, gesto y emoción.

Antonio Sánchez Castro, Director y Curador de 1819 ArtGallery, en el último párrafo de la Curación realizada comenta: “El conjunto dialoga con una tradición moderna de pintura como campo de operaciones, donde el plano se organiza por cortes y la superficie conserva proceso, desde la pintura matérica de posguerra hasta una abstracción lírica controlada, entendidas aquí como marco operativo. En Clave contemporánea, la serie formula un problema visual preciso: cómo sostener atención y complejidad en una época de sobreexposición, devolviendo a la mirada una lectura por capas, densidades y ritmos de plano.”

3. ¿En tu vida artística que experiencias interesantes has tenido?

La “primera vez” siempre deja huella. En mi caso, con once años obtuve mi primer Premio de Dibujo Infantil, una experiencia que recuerdo con especial cariño. En el colegio éramos tres o cuatro alumnos que destacábamos en esa asignatura, y siempre había alguien que sacaba mejor nota que yo. Aquel premio me enseñó, de forma consciente o no, que con esfuerzo, tesón y constancia se pueden alcanzar metas, triunfos y sueños.

En realidad, cada etapa de mi vida y de mi trabajo artístico ha sido interesante e inolvidable. Al terminar la EGB, con catorce años, ingresé en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Valencia. Corría el año 1979 y nos recibió una auténtica explosión creativa en España: la época conocida como “La Movida”, en plena transición democrática. Fue un tiempo vibrante en el que emergieron figuras como Pedro Almodóvar, Ouka Leele, El Hortelano, Ceesepe, Javier de Juan, Pablo Sycet, Antón Patiño o Rosa Muñoz.

En la escuela conocí a cuatro amigos con los que compartía edad e inquietudes artísticas; éramos los más jóvenes de la clase. Hacia 1983 formamos un grupo de baile para presentarnos a un concurso en una discoteca. Ganamos, y aquello dio paso a un año frenético y divertido, lleno de exhibiciones en otras salas, nuevos certámenes y sesiones fotográficas. Nuestro nombre era tan peculiar como inolvidable: “Los Espermatozoides Cósmicos”.

También pasé por un taller de Fallas, donde aprendí a pintar el volumen y a comprender mejor el trabajo tridimensional. Realicé colaboraciones gráficas en distintas revistas, así como en el Casal de la Juventud de la Casa de la Cultura de Burjassot y en la Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Valencia. Más adelante formé parte, como artista, de una de las primeras plataformas digitales de arte en Valencia, GVAES (Galería Virtual de Arte Español), y desde 2010 pertenezco al colectivo multidisciplinar arteEnred. En definitiva, participar en distintos organismos, colaborar con otros artistas y formar parte de agrupaciones o colectivos culturales aporta experiencias maravillosas. Son espacios donde se aprende, se mejora y, sobre todo, se evoluciona tanto en lo artístico como en lo personal.

4. ¿Qué quieres expresar en tu obra?

El hilo conductor de mis series, (a excepción de la serie “Rostro” o “Divas & Divos” Retratos PopArt ), se articula en torno a la vinculación con los pueblos, sus tradiciones y su paisaje, donde el agua emerge como recurso vital, elemento productivo y espacio de encuentro. Más que un motivo, se convierte en símbolo de memoria y equilibrio.

La fragilidad del ecosistema y la necesidad de preservar un entorno limpio y compartido atraviesan la propuesta. La naturaleza, terrestre y marina, no es solo escenario, sino sujeto de cuidado. Los paisajes rurales, vibrantes en color y textura, evocan riachuelos fértiles, acequias y huertos en plena vitalidad.

Cada escena activa una memoria íntima y colectiva: la infancia, el descanso lejos de la ciudad, el reencuentro con la costa o el ámbito rural como espacios de recuperación. La pintura se presenta así como un gesto de celebración y compromiso, una invitación a contemplar, valorar y proteger el entorno que habitamos.

5. ¿Has tenido alguna exposición que consideres la más importante o interesante, por alguna razón.?

Cada exposición tiene su propio encanto y deja siempre algún recuerdo especial.

Si tuviera que destacar una especialmente significativa, elegiría la exposición individual que realicé en 2023 en la Galería Abartium, en Calldetenes, Barcelona. La galería está ubicada en una hermosa casa señorial con torre y jardín vallado, rodeada de campos de cultivo, un entorno con un carácter muy especial.

Guardo un magnífico recuerdo de aquella experiencia. Mi mujer y yo salimos temprano desde Valencia, ya que la inauguración era por la tarde. En la planta baja se encontraba mi muestra individual, mientras que en el primer piso se celebraba una exposición colectiva. Nos reunimos artistas, acompañantes y visitantes; yo presenté mi exposición y después los demás artistas hicieron lo mismo con sus obras.

Al finalizar, la galería había preparado un agradable refrigerio en los jardines: quesos, embutidos, frutos secos y un buen vino. Fue un momento perfecto para conversar con los asistentes, intercambiar impresiones, hablar de arte y conocer gente nueva. También aprovechamos para compartir contactos y redes sociales con otros artistas.

Cuando empezó a caer la tarde, los visitantes fueron marchándose poco a poco. Mi mujer y yo nos quedamos charlando con la galerista hasta bien entrada la noche. Como habíamos reservado alojamiento cerca, pudimos disfrutar la velada sin prisas y regresar al día siguiente con tranquilidad, contemplando además el paisaje del lugar.

Precisamente eso es una de las cosas más valiosas de las inauguraciones: la oportunidad de intercambiar ideas, hablar de arte, descubrir nuevos lugares y conectar con personas interesantes. Son experiencias que enriquecen profundamente mi vida personal y mi trayectoria artística.

6.¿Cuáles son tus artistas preferidos y por qué?

Es imprescindible acercarte a los clásicos del Renacimiento, barroco y neoclasicismo. A partir de mediados del siglo XIX donde también hay pintores que me gustan mucho, experimentando una transformación radical, pasando del realismo académico al impresionismo y postimpresionismo.

Aunque nacido en Alemania, de padre valenciano y madre onubense, me traslade a Valencia con unos 3 años de edad. Me he empapado de su música, su folclore costumbre y fiestas. No se si es por esta razón, pero desde pequeño, me fascino la Obra de nuestro querido Joaquín Sorolla, Maestro del "luminismo", capturó la luz del Mediterráneo, atreviéndome a decir, como nadie.

7. ¿Has recibido premios o reconocimientos a lo largo de tu carrera?

En todos esto años entre papeles pinceles y lienzos, he sido Seleccionado en más un centenar de Concursos de arte en los que he obtenido 44 Premios, algunos de ellos Internacionales.

8.¿Qué te inspira para realizar tu obra?

Mi formación en la escuela de Artes y Oficios fue el Dibujo Publicitario, hoy día llamado Diseño Gráfico. Más que inspiración es una rutina de trabajo, aprendida de mi profesión.

En tema de Paisaje es buscar una imagen o foto realizada en algún viaje y ponerme a trabajar como en un concurso de rápida, preparo la base encajo el dibujo y a partir de hay la obra me va pidiendo por donde ir.

En el caso de la serie figurativo u otras, son digamos más viscerales, salen más de adentro. A menudo es una situación, otras es un texto o título, por ejemplo: En el Colectivo arteEnred siempre se Elige un Tema sobre el que trabajan todos los artistas, en una ocasión se eligió la canción de “Todo se Transforma” de Jorge Drexler.

Muchos artistas derivaron a textos de la canción, que habla del vino, yo me centré en el título “Todo se Transforma – Transformación”, me vino a la cabeza los viajes a la playa cuando era pequeño, y la transformación de la misma en la actualidad.

Busque información Gráfica de la época de Soroya y fotos mías de la misma zona hoy día. Hice un pequeño boceto en lápiz, y ahí nació la Obra “Dos Épocas a orillas de Valencia”.

9.¿Qué significa el arte en tu vida?

No me imagino mi vida sin pintar o coger un lápiz, aunque de vez en cuando, cierto es que pasa tiempo sin hacerlo enfocando mi tiempo en otros menesteres que tienen que ver con el arte, es una necesidad, la razón de ser, mi propósito de vida.

10.¿Qué harías para acercar el arte a la gente?

Hoy día parece que a la gente le cuesta más acercarse a las exposiciones en Galerías o Centros Culturales, exceptuando la Ferias de Arte, que prácticamente todos los meses hay una Feria en algún lugar.

Las costumbres van cambiando, internet ha masificado las redes, pero por otro lado es una buena herramienta para dar a conocer la obra, y a subido el porcentaje de ventas de arte a través de plataformas de venta como directamente del artista, creo que si quieres darte a conocer es una de las herramientas en la que no puedes faltar.